– Hijo mío, cada hombre debería de comprar una casa en su vida. Cuando muera, su hijo heredaría esa casa. Más adelante ese hijo compra su propia casa y luego muere. Entonces su hijo hereda dos casas. Ese otro hijo pronto adquiere la suya propia y entonces ya tiene tres casas…
La estructura familiar. O cómo vencer a la adversidad a través de la familia. El creía en eso. Coge la familia, mézclala con Dios y la Nación, añade diez horas de trabajo diario, y tienes todo lo que necesitas.
A lo largo del siglo XX, y en muchas ocasiones, el Blues ha demostrado ser más que un simple “estilo musical”, alcanzando la categoría de “forma musical”, admitiendo diferentes enfoques, diferentes formatos instrumentales y diferentes envoltorios o barnices, y pese a todo seguir siendo identificable la presencia de un sonido “bluesero”.
Podemos por tanto entender el Blues como “forma musical” porque permite ser incorporado como estructura formal en la ejecución de diversos estilos musicales, ofreciendo múltiples opciones de interpretación. Así por ejemplo, una banda de Jazz puede tocar blues, e igualmente una banda de Rock, de una forma diferente, puede también tocar blues. El Blues puede ser balada o puede servir para el baile, puede ser canción protesta o canción de cabaret.
Simultáneamente, por supuesto, el Blues ha existido siempre como un “estilo musical” concreto,
pudiéndonos referir a diferentes clasificaciones o subgéneros dentro del mismo, como el Blues Rural (o Country Blues, en inglés), el Piano Blues, el Blues Eléctrico, etc.
Teniendo presentes estas dos facetas: el Blues como “forma musical” (adaptable a otros estilos) y el Blues como “estilo musical” en sí mismo, podremos entender más claramente un argumento que, tal vez, no
expresé con demasiada claridad en mi último artículo. La idea es, a grandes rasgos, que para comprender en una contextualización temporal correcta la aparición del Rock & Roll en los años 50, no debemos fijarnos en el Blues estrictamente como un estilo musical acotado, sino más bien como una forma musical adoptada por otros estilos musicales contemporáneos.
Lo entenderéis mejor con la siguiente afirmación. El Rock & Roll de principios de los 50 no surge del estilo puramente Blues de finales de los 40, sino más correctamente de estilos musicales más propios de la tradición Jazz, como el Jump Blues (siendo éste un estilo heredero del Swing Jazz de las Big Bands, que abraza el blues como forma musical).Al final, es pura terminología, qué duda cabe. No obstante, si atendemos a los artistas implicados y a sus trayectorias, veremos que muchos de los sonidos rocanroleros de finales de la década de los 40, salvo ciertas excepciones, son fruto del trabajo de músicos con un pasado en orquestas Swing y no tanto del de bluesmen en el sentido más tradicional del término.
Propongo esta visión frente a la más extendida concepción del Blues de Chicago (de los años 40 y
50) como antecesor directo del Rock & Roll. Cuando hablo de Blues de Chicago, pensad en el Blues Eléctrico de gente como Muddy Waters, Howlin’ Wolf o Sonny Boy Williamson II.
Según mi criterio, esta pequeña “deformación” (Satán me libre) de sobreestimar el Blues de Chicago como predecesor del Rock & Roll de los 50 se debe a la enorme influencia que efectivamente ejerció sobre la música Rock de los años 60 y parte de los 70, y que se ha filtrado hasta nuestros días. Y genial que así sea, que conste, no tengo nada en contra del Blues de Chicago, ¡¡ni mucho menos!! Solo quiero puntualizar que, si el Rock & Roll es la manzana, el BLUES no es la rama, sino la raíz; y el Blues de Chicago, otra rama paralela (coetánea).
Todo lo que estoy diciendo, habla a favor del Blues, que no os quepa ninguna duda. Precisamente por haberse convertido en forma musical, más allá de estilos y subgéneros. Por haber calado tanto en el imaginario colectivo de los músicos, primero en Estados Unidos, y después en muchos otros países (principalmente en los llamados “occidentales”).
Tratando ahora de identificar la esencia del BLUES como raíz, considero que la música más auténtica y fundamental, y la que condensa todas sus tan inspiradoras “bondades”, reside en aquel Blues
Rural de los años 20 y los años 30.
Comento ahora algunos argumentos al respecto:
Primero, por su evocadora autenticidad, su capacidad para transmitir cruda emoción, lo
que tantas veces llamamos “feeling”. Y no me refiero a un sentimiento de tristeza. El Blues no nos pone tristes, de hecho, más bien es la cura: “Blues is the healing”, decía John Lee Hooker. Puede ir cargado de melancolía, de desgarro, pero también de vitalismo, de ganas de comerse el mundo, de comerse la noche, de comerse a esa chica…
Podéis ahora escuchar esta composición de Blind Willie McTell, con su curioso trabajo de guitarra y su narrativa. Una joya.
BLIND WILLIE MCTELL –
“STATESBORO BLUES” (1928)
Segundo, por su extrema originalidad y frescura, encontrándonos con solistas inconfundibles e inimitables, desarrolladores de un estilo totalmente personal, y escapando en muchas ocasiones de la rigidez de los 12 compases.En nuestros días, estamos acostumbrados a entender el Blues como una fórmula mucho más estandarizada, y en cierta parte, es verdad que la estandarización ha sido siempre una característica inherente al Blues. No obstante, en los años 20 y 30 las particularidades estilísticas entre los diferentes artistas eran mayores. Como ejemplo, esta canción de Charlie Patton afinado en Mi Abierto (Open E), donde habla, sin alusión directa, de la adicción a la cocaína. Si os fijáis, cuando canta la letra, deja sin concluir cada verso, omitiendo la palabra “spoonful” (cucharada, pizca), que en su lugar verbaliza con la guitarra.
CHARLIE PATTON –
“A SPOONFUL BLUES” (1929)
Tercero, por la crudeza que manifiesta, alejándose de clichés comerciales y estilísticos, tanto en su música, indomable y apasionada, como en sus letras, muchas veces tratando temas como la miseria, la fatalidad, el sexo o las drogas.No hay nada más heavy o macarra que un blues de los años 20, pero para entenderlo hay que mirar más allá de la pizarra, de los surcos y del sonido cacofónico.Como muestra, la canción que podéis escuchar a continuación narra la desesperación de un alcohólico (el propio Tommy Johnson) que recurre a la ingesta de alcohol de quemar para saciar su sed. “Canned heat” puede traducirse como “calor enlatado”, en alusión al alcohol que se empleaba como combustible en las antiguas cocinas domésticas.
TOMMY JOHNSON –
“CANNED HEAT BLUES” (1928)
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Cuarto, porque mantiene una pureza extraordinaria, siendo un buen reflejo del tipo de Blues
primitivo y original que podríamos escuchar en los albores del siglo XX. Supone un vínculo directo con la tradición y cultura negras.Apreciad la siguiente canción. Expresa el lamento de los esclavos en los campos de trabajo para la construcción de diques (levees) como protección frente a las crecidas de los ríos.
ALGER “TEXAS”
ALEXANDER – “LEVEE CAMPS MOAN BLUES”
(1927)
Quinto. Porque en ocasiones presenta también un punto extravagante y bizarro, arcaico a la vez que atemporal, y por lo tanto, esotérico e incluso futurista. (Toma ya)
GARFIELD AKERS –
“COTTONFIELD BLUES, PART 2” (1929)
Un universo sonoro acojonante, que os recomiendo que investiguéis. Al principio cuesta hacerse al oído, es verdad, pero si conseguís que esta música os cale, os habréis hecho uno de los mejores regalos en lo que a disfrutar la música se refiere…
Leyendo mis artículos de Orígenes del Rock (subidos a la antigua página de SinPunktoFijo, y que se irán subiendo aquí poco a poco), uno podría tomarme por un talibán de la música negra que sobrevalora tremendamente la influencia afroamericana en los cimientos del Rock, y que menosprecia los inputs de artistas blancos, como si estos últimos fueran meros “ladrones” de ideas que descafeinaban las auténticas raíces.
Por el contrario, TODOS los grupos que había reseñado hasta ahora en esta sección de Bandas Alienígenas estaban compuestos por músicos blancos (o asiáticos) al 99%. ¿Cómo puede ser esto posible si tan “racialmente sesgadas” parecían mis opiniones? Una respuesta simple y rápida sería que las bandas que suelo incluir en esta sección pertenecen a escenas como el post-punk, la psicodelia o el kraut-rock, con un alto componente conceptual, así como con un fuerte influjo de otras disciplinas artísticas como el cine o la literatura, siendo en definitiva unas formas musicales relativamente alejadas de las raíces, y que históricamente han tenido mayor calado entre la población blanca por diversas razones sociológicas.
Con todo, existen excepciones, y hoy os traemos una de ellas. Un colectivo de músicos negros que no tuvieron ningún complejo en combinar música de altísimo nivel (lo primero es lo primero) con toda una parafernalia absolutamente psicodélica y espacial, incluyendo ciertas dosis de humor en algunos momentos. El resultado es uno de los movimientos más estéticamente extravagantes y más musicalmente espectaculares de los años 70.
En torno a 1967, el japonés Yuya Uchida viajó a Reino Unido para visitar a John Lennon, con quien mantenía amistad. Allí entró en contacto con los sonidos emergentes de bandas como Cream o la Jimi Hendrix Experience, cuya mezcla de Blues-Rock y psicodelia daría lugar al nacimiento de un sonido pesado, poderoso y contundente que a la postre se llamaría Heavy Metal.
Sorprendido por lo que vio y escuchó, Uchida regresó a Japón con la firme intención de montar un conjunto que reprodujera esa nueva tendencia. Así, reunió a varios músicos locales (incluyendo dos cantantes, chico y chica) bajo el nombre de Yuya Uchida & The Flowers, para publicar en 1968 su álbum debut Challenge!, conformado exclusivamente por versiones de artistas como Janis Joplin o Jimi Hendrix, y en cuya portada podía verse a la banda desnuda en el campo, muy en línea con el espíritu hippy de la época.
10 – All the young punks (new boots and contracts)
“When you lot get out, We’re gonna hit the town
We’ll burn it fucking down, to a cinder.”
(Cuando salgas, reventaremos la ciudad, la quemaremos hasta reducirla a cenizas)
Decían los antiguos que en el punto medio está la virtud, y en el medio de dos gigantes resuena Give ‘em Enough Rope, sin perder la rabía y la crudeza del debut The Clash (1977) y aportando una visión musical más allá del punk que culminaría en London Calling (1979). Lee más
David Edward Sutch nació en Londres en 1940, y durante su adolescencia entró en contacto con el Rock ‘N’ Roll estadounidense de figuras como Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard, Bo Diddley, Jerry Lee Lewis o Bill Haley. Tuvo incluso la ocasión de presenciar en vivo algún concierto de estos dos últimos. Además, ya desde finales de los años 50 se dejó el pelo muy largo, siendo uno de los primeros rockeros en dejarse melena. Según contaba el propios Sutch, su trabajo por cuenta propia como limpia cristales le permitió mantener dicha estética, escondiendo habitualmente su pelo mediante algún sombrero o gorra.
Tras alguna audición que le permitió debutar como cantante en alguna banda menor, en 1960 fundaría su propio conjunto bajo el nombre de Screaming Lord Sutch and The Savages. La banda es anterior a todas las grandes bandas de rock de la escena británica que surgirían poco después, y de hecho, sería más correcto enmarcar a The Savages junto a aquellos conjuntos de primera ola como Cliff Richard & The Shadows, Johnny Kid & The Pirates o Vince Taylor.
Años ha, cuando no existía twitter ni existían los grupos de facebook, las discusiones se dirimían en la misma calle, poco importaba el tema, lo importante era tener razón. El único juez era el acero, fiel democratizador de los pueblos, baluarte de los desamparados y de que los que sufren la injusticia, el acero equilibra a los grandes y pequeños, a los ricos y a los pobres, a los que no tienen ni puta idea con los que si la tienen.
Otra sangrienta riña ocurrió también ayer en la calle de San Bernardo.
El motivo de ésta fue tan insignificante como el de la que anteriormente relatamos.
Los dependientes de la panadería situada en el núm. 5 de dicha calle discutían ayer respecto a las verbenas que se han celebrado en los anteriores días.
Uno de los dependientes, Manuel Cartedo Díaz, que había habitado en la calle del Ave María, según en que parece cuenta con simpatías y buenos amigos, recordaba las verbenas de otros años y decía que no había fiestas mejores que las que se celebran en honor de San Lorenzo.
El compañero de Manuel negó que la calle del Ave María correspondiera a la parroquia de San Lorenzo, y por eso se suscitó entre ellos una apasionada reyerta, llegando a darse de bofetadas. Manuel, con un cuchillo, arremetió contra su compañero Nicolás Cabeza Rodríguez, causándole tres heridas en el costado izquierdo.
En grave estado fué llevado el herido a la Casa de Socorro del distrito, y el agresor, que fue detenido, al Juzgado de Guardia.
Artista: James Brown Álbum: Live at the Apollo
Año de publicación: 1963 Sello: King
1. Introduction to James Brown and The Famous Flames (por Fats Gonder)
2. I’ll Go Crazy
3. Try Me
4. Think
5. I Don’t Mind
6. Lost Someone
7. Medley
8. Night Train
He aquí, el Rey del Funk, el Padrino del Soul… el ayatollah del rock and roll… hay cien mil etiquetas para referirse a James Brown, quedan muy bien si eres locutor de Radio 3 pero fuera de antena solo sirven para invocar al todopoderoso Dios de la vergüenza ajena.
En un despegue fulminante, James Brown y su banda llegan a la década de los sesenta con un curriculum tremendo, no solo por los éxitos de sus singles como Please, Please, Please, Think o Try Me, que desde su lanzamiento pasarían a ser emblemas del R&B, si no también por contar con uno de los directos más enérgicos y bregados de la escena. Precisamente cuando hablábamos de Ike & Tina Turner, apuntábamos que se les llegaba a comparar con Brown por su fuerza sobre el escenario.
Ese nivel, no era gratuito, el grado de exigencia que aplicaba James Brown a sus músicos (y también a sí mismo) podía hacer sudar al mismo sargento de instrucción de la chaqueta metálica, no obstante, llegaron a dar hasta 300 conciertos al año. El Show estaba totalmente ensayado y estudiado, se trabajaba para cuidar el más mínimo detalle… la presentación, la introducción de la banda, la entrada de Brown con los músicos ya en escena, el final con el Please, Please, Please y la retirada del maestro con la capa… todo era parte del espectáculo.
Esa reputación fue clave para que James Brown decidiese, en contra de los consejos del sello discográfico, publicar un álbum en directo , pensaban que sería un fracaso ¿quién va a volver a pagar por canciones que ya han salido en Lp’s y singles? no contaron con que la esencia misma de la formación era el propio espectáculo y eso era lo que iba a explotar Live at the Apollo.
Los temas suenan muy distintos en directo. Cualquier artista, si se lo trabaja, conseguirá que en concierto sean el doble de buenos que en una grabación. Y es de lo que traté de covencer a King Records.
Thank you and thank you very kindly. It’s indeed a great pleasure to present to you at this particular time, nationally and internationally known as the Hardest-Working Man in Show Business, the man who sings I’ll Go Crazy! Try Me! You’ve Got the Power! Think! If You Want Me! I Don’t Mind! Bewildered! Million-dollar seller, Lost Someone! The very latest release, Night Train! Let’s everybody shout and shimmy! Mr Dynamite, the amazing Mr Please Please himself, the star of the show, James Brown and the Famous Flames!
Lo que sigue, mejor oírlo, una pieza fundamental del Soul y uno de los álbumes más exitosos del género. Se palpa el ritmo, la conexión con el público, el sudor… es un disco vivo, que late. Transmite la magia del show. Vendería millones de copias, sonaría en las radios de todo el mundo, pero también influenciaría a muchos artistas y sería un espejo en el que mirarse para otras bandas. Wayne Kramer, de los MC5, reconoció que se inspiraron en él para grabar Kick out the jams y que su actitud sobre las tablas tenían la impronta de James Brown… eso sí pasándolo por un tamiz más lisérgico.
Estos tres chavales son Alex, Marc y Koki. En los años 80 se dedicaban a hacer un fanzine sobre punk-hardcore en Banyoles (Girona) hasta que un día decidieron lanzarse a la piscina y hacer una banda.
De su entusiasmo saldría H.H.H. (Harina de Huesos Humanos | Hardcore Hasta la Histeria) una de las bandas pioneras y más determinantes del hardcore estatal. Influidos por la música que venía del norte de Europa, y con su propio particular estilo de hacer las cosas, pronto se ganaron un gran respeto nacido de su hiperactividad y de la especial entrega con la que afrontaron su trayectoria.
Sus ganas de moverse y de crear música no podían circunscribirse a una sola banda y a un solo estilo por lo que crearon tres grupos paralelos formados por los mismos miembros. Por un lado estaba Overthhhrow en el que cantaban en inglés (a diferencia de H.H.H.) y en el que se dejaron llevar más por sonidos trashcore y crossover. Y por otro lado estaba Rouse, un proyecto en el que se lanzaron con intensidad al punk y hardcore melódico, a parte de H.H.H. su marca más conocida.
Durante años, alternaron diversas grabaciones con cada uno de sus grupos hasta que a mediados de los 90 los tres proyectos se disolvieron. Sin embargo, dejaron un ejemplo indeleble que no se ha diluido en el tiempo.
Rouse -What you are know (1991)
H.H.H. son un ejemplo de lo que se puede llegar a hacer con ganas, compromiso y creatividad. Eran tiempos muy diferentes, de fanzines, fotocopia y celofan y de videoclips grabados a duras penas con cámaras VHS prestadas por algún familiar.
El batería asumió el papel de cantante en la mayoría de los temas gracias a un micro que pegaba al cuello con una especie de cuerda. Ya había aprendido a tocar la batería con botes de detergente así que no le suponía mucha dificultad.
Esta peña se lo curró tanto que lograron que su sonido fuera conocido hasta fuera del Estado. De hecho, la edición americana de la revista Maximun RnR les dedicó una meritoria crítica en la que decían nada más y nada menos: «He visto a Dios… ¡y es español!» (I’ve seen God… and he’s Spanish!). La cumbre del surrealismo es leer un artículo de cocina escrito por el cocinero Sergi Arola en el que recuerda con cariño como descubrió el hardcore-punk gracias a HHH.
John Zorn, saxofonista neoyorkino de etnia judía es, desde mediados de los años 80, uno de los músicos más prolíficos que podamos encontrar, participando en decenas y decenas de grabaciones, junto a diferentes conjuntos, ya sea como intérprete de su repertorio, como compositor que dirige a la formación, o como productor bajo su propio sello discográfico. Si la cantidad es un elemento destacable en la carrera de Zorn, no lo es menos la calidad y la variedad de los estilos presentes en su obra, que desde el Jazz como filosofía central, se acerca a músicas tan dispares como la música clásica, la música tradicional hebrea, la música ambiental, las bandas sonoras o incluso a estilos de metal extremo como el grindcore, nada menos.
¿Un músico de Jazz que aprecia el grindcore? Lo que pudiera parecer un contrasentido se justifica aquí por el entendimiento que Zorn hace de los estilos más abrasivos del metal, poniendo el foco en la gran complejidad técnica que admiten y en una más que interesante riqueza cromática. De las varias bandas que ha conformado John Zorn en su vertiente metalera, destacaremos hoy Naked City, que entre 1989 y 1993 practicaron una mezcla nunca vista de música surf, rhythm & blues, metal, jazz y todo lo que se les pusiera por delante. Además, no podrán ser culpados de incorporar estilos de una forma superficial o pretenciosa, siendo la altura musical de la banda totalmente destacable, dominando con maestría cada género interpretado.
eyendo mis artículos de Orígenes del Rock (subidos a la antigua página de SinPunktoFijo, y que se irán subiendo aquí poco a poco), uno podría tomarme por un talibán de la música negra que sobrevalora tremendamente la influencia afroamericana en los cimientos del Rock, y que menosprecia los inputs de artistas blancos, como si estos últimos fueran meros “ladrones” de ideas que descafeinaban las auténticas raíces.
En torno a 1967, el japonés Yuya Uchida viajó a Reino Unido para visitar a John Lennon, con quien mantenía amistad. Allí entró en contacto con los sonidos emergentes de bandas como Cream o la Jimi Hendrix Experience, cuya mezcla de Blues-Rock y psicodelia daría lugar al nacimiento de un sonido pesado, poderoso y contundente que a la postre se llamaría Heavy Metal.
sta neoyorkino de etnia judía es, desde mediados de los años 80, uno de los músicos más prolíficos que podamos encontrar, participando en decenas y decenas de grabaciones, junto a diferentes conjuntos, ya sea como intérprete de su repertorio, como compositor que dirige a la formación, o como productor bajo su propio sello discográfico. Si la cantidad es un elemento destacable en la carrera de Zorn, no lo es menos la calidad y la variedad de los estilos presentes en su obra, que desde el Jazz como filosofía central, se acerca a músicas tan dispares como la música clásica, la música tradicional hebrea, la música ambiental, las bandas sonoras o incluso a estilos de metal extremo como el grindcore, nada menos.