John Zorn, saxofonista neoyorkino de etnia judía es, desde mediados de los años 80, uno de los músicos más prolíficos que podamos encontrar, participando en decenas y decenas de grabaciones, junto a diferentes conjuntos, ya sea como intérprete de su repertorio, como compositor que dirige a la formación, o como productor bajo su propio sello discográfico. Si la cantidad es un elemento destacable en la carrera de Zorn, no lo es menos la calidad y la variedad de los estilos presentes en su obra, que desde el Jazz como filosofía central, se acerca a músicas tan dispares como la música clásica, la música tradicional hebrea, la música ambiental, las bandas sonoras o incluso a estilos de metal extremo como el grindcore, nada menos.
¿Un músico de Jazz que aprecia el grindcore? Lo que pudiera parecer un contrasentido se justifica aquí por el entendimiento que Zorn hace de los estilos más abrasivos del metal, poniendo el foco en la gran complejidad técnica que admiten y en una más que interesante riqueza cromática. De las varias bandas que ha conformado John Zorn en su vertiente metalera, destacaremos hoy Naked City, que entre 1989 y 1993 practicaron una mezcla nunca vista de música surf, rhythm & blues, metal, jazz y todo lo que se les pusiera por delante. Además, no podrán ser culpados de incorporar estilos de una forma superficial o pretenciosa, siendo la altura musical de la banda totalmente destacable, dominando con maestría cada género interpretado.
Hoy, primero de Mayo, es el Día Internacional de los Trabajadores, se conmemoran las luchas obreras de finales del siglo XIX en las que mujeres y hombres sacrificaron sus vidas para poder obtener derechos y condiciones laborales dignas. Lamentablemente, no es cosa de un pasado remoto, aunque nos quieran hacer creer lo contrario. Actualmente, los trabajadores son vilipendiados, la tecnología se ha empleado no para mejorar las condiciones del proletariado, si no para exprimirle y someterle. Paro, precariedad, salarios de miseria, es la realidad a la que se enfrentan los trabajadores, hoy sigue siendo necesaria la unión y la lucha de todos los trabajadores y trabajadoras.
Hemos preparado una lista musical para conmemorar este día:
1.Billy Bragg – Never Croos a Picket Line
Billy Bragg, cantautor inglés comprometido con el movimiento obrero, nos viene al pelo para abrir esta lista con una regla básica y fundamental. Nunca cruces un piquete. Hay que saber en que lado estas.
2. Cock Sparrer – Working
Trabajar y trabajar, trabajar todo el día para sobrevivir. Paga el alquiler, paga la luz, paga los libros de los niños, paga y vuelve a pagar, sigue trabajando para comprar mierdas que no necesitas.
3. Angelic Upstarts – Two Milliom Voices
El paro es uno de los principales problemas de este país, una situación que envilece y perturba a millones de personas. Arma que bien sabe emplear el empresario, sometimiento, miedo y precarización, hay una masa de trabajadores dispuesta. Angelic Upstarts dedicaron esta canción en plena era tacheriana cuando Inglaterra se vio con dos millones de parados.
4. Dropkick Murphys – Do Or Die
Trabaja o muere, hay que crecer, renovarse, ser productivo, proactivo… es decir ser un gilipollas dócil y manso que acate y no haga mucho ruido. Nos dijeron que había que apretarse el cinturón para que el dinero siguiera fluyendo a donde siempre.
5. The Movement – We Got Marx
Una gota de esperanza, si al final nos unimos, luchamos y seguimos adelante, se puede conseguir. No hay que olvidar que a pesar de la situación actual hay victorias que reafirman la lucha. Los estibadores, los trabajadores de coca-cola… hay que seguir en la brecha.
6. The Pogues – Navigator
The Pogues dedican esta bonita canción a los trabajadores que construyeron el ferrocarril: los puentes, los canales, los terraplenes y los cortes. Cavaron y dinamitaron con su sudor y sus entrañas. Nunca bebieron agua, pero si Whisky por pintas, y en sus barrios de chabolas sonaban sus canciones y sus peleas
7. Defiance – No Future No Hope
Si The Movement ponían la esperanza, Defiance nos la quitan, todos los días son iguales, te levantas a currar y siempre es la misma mierda, o esto cambia o no hay futuro.
8. The Clash – Career Opportunities
Parece que esta canción está escrita aquí y ahora. No hay salida, aunque estudies,te formes y te prepares, te espera la incertidumbre y la mierda. Miles de jóvenes tienen que emigrar en busca de un trabajo decente. Aquí solo hay salida y si te metes a policía. Así estamos.
9. Decibelios – Piara Indecente
Lo que hoy llaman la trama bien podría ser la piara. Organizarse y luchar es lo único que queda ¡Paletas al poder!
10. The Jam – The Burning Sky
Vivimos en un mundo en el que está mal visto tener tiempo libre, hay que estar ocupados, trabajar, móntate tu negocio y sube escalones. Renunciamos muy pronto a los ideales de juventud, y solo queremos escalar. Ganar y ganar. Derecho al trabajo, si, pero también derecho al descanso, al ocio.
[A veces se abusa demasiado de palabras como “genio”, “único” o “irrepetible”, pero en este caso no tengo ninguna duda de que estamos ante uno de los personajes que más merece dichos apelativos. Y es que hoy os acerco a una de las mayores figuras creativas, y sin duda, una de las más rompedoras, dentro de la música Rock.]
Don Vliet nació en Glendale, California en 1941, y desde pequeño demostró tener unas capacidades destacadas para el arte, principalmente la pintura, hasta el punto de que con 13 años, nada más y nada menos, le concedieron una beca para formarse en Europa. No obstante, se mudó con su familia al desierto de Mojave, donde pasó su adolescencia y entabló una cercana amistad con Frank Zappa. Ambos compartían una enorme admiración por artistas de Rhythm & Blues y Jazz como Muddy Waters, Sonny Boy Williamson II o Duke Ellington, y era habitual que pasaran horas juntos escuchando discos.
En 1965, Don Van Vliet, ya bajo su mítico pseudónimo formó Captain Beefheart & His Magic Band. Recreando, que no copiando, el blues, tanto urbano como rural de sus ídolos, aplicando los volúmenes y el músculo de contemporáneos como The Rolling Stones o la Paul Butterfield Blues Band. Progresivamente la banda fue adquiriendo un estilo más experimental, incorporando canción más complejas, pero manteniendo siempre la instrumentación, texturas y recursos propios del blues del Delta y de Chicago, fundamentalmente.
Dicen que es imposible escapar de la muerte, que ella va con ventaja, tiene toda tu vida para cogerte. Sin embargo, las circunstancias pueden llegar a parecer inamovibles, hay personas cuyo destino está escrito a fuego, hagan lo que hagan, no pueden salir de la espiral.
Curiosa historia la de Stiv Bators, frontman de aquella mítica banda de Cleveland, Dead Boys. Irrumpieron en la escena neoyorquina, gritando aquello de Fuck art, let’s rock!. Años locos, existencia efímera, Sex, drugs, and rock and roll era el credo de su religión.
Un negro porvenir acecha tras esas premisas, quizá por ello Stiv Bators decidió cortar y cambiar de aires, Inglaterra concretamente (donde formó Lords Of New Church) y más tarde ¡Le France!, donde la dama negra le estaba esperando.
Totalmente “reformado” como se suele decir, con un planteamiento de la vida distinto, mientras paseaba por un parque de París con su novia, fue atropellado por un automóvil cuyo conductor iba colocado, provocándole la muerte horas después.
Quién lo diría, a pesar del esfuerzo por cambiar, moriría por culpa de las drogas.
Artista: The Vibrators Álbum: V2
Año de publicación: 1978 Sello: Epic
Pure Mania
Automatic Lover
Flying Duck Theory
Public Enemy No. 1
Destroy
Nazi Baby
Wake Up
Sulphate
24 Hour People
Fall in Love
Feel Alright
War Zone
Troops of Tomorrow
Un influjo oscuro y distópico envuelve a este álbum. Compuesto durante la estancia de la banda en Berlín, la frontera entre dos mundos que se batían en un frágil equilibrio. Epicentro de esa paz caliente o guerra fría. En ese contexto surge V2, haciendo alusión a los cohetes nazis que bombardearon Londres durante la Segunda Guerra Mundial. ¿Eran sus canciones las que asolarían la capital?
Exponentes del punk inglés, Vibrators estuvieron en el meollo en la eclosión de las doscientasmil bandas que se sumaron a la ola del punkrock, cuando era lo que tocaba. Compartiendo escenario con The Clash, Damned o Sex Pistols, se quedaron unos peldaños por debajo, no por tablas, quizá porque no había pastel para todos y alguien se tenía que quedar fuera.
Su segundo disco era su apuesta definitiva, bajo la tutela de un sello potente como Epic Records, buscaban el despegue, llegó tibiamente, un single el top40 Automatic Lover y una aparición televisiva en Top Of the Pops. Pero el gran éxito nunca llegó, vinieron los ochenta, abandonaron Epic Records, y ya su pelea pasó a ser en el barro, pequeñas salas, giras eternas y un público más militante que masivo. El vagón de primera clase en el punk, ya estaba lleno.
V2 junto a Pure Mania, son sus estandartes, destacando en este los temas como Automatic Lover, Nazy Baby (con sección de cuerdas incluida), 24 Hour People, o la famosa Troops of Tomorrow, que dio nombre al popular disco de Exploited. No hacen falta muchas excusas para volver a escuchar a los Vibrators.
Componentes: Knox (Guitarra, teclados y voz); John Ellis (Guitarra, teclados y voz); Gary Tibbs
(Bajo y voz); John Eddie Edwards (Batería)
Artista: The Movement Álbum: Fools Like You
Año de publicación: 2012 Sello: The Movement Records
We got Love
We got Hope
We got Marx!
En una Europa asolada por el cuñadismo, la extrema derecha y airbnb, surgen voces de esperanza. Desde un lugar recóndito dónde parece que nunca pasa nada, desde donde apenas nos llegan tenues rumores y la quejumbre de turistas decepcionados con la estatuilla de la sirena. Desde allí, desde Copenhague, en Dinamarca, escuchamos a The Movement, mod y socialismo, parkas y martillos.
Entre el punk y el revival mod, tal como hicieron The Jam en In the City, el sonido ’77, guitarras afiladas, rítmicas con el bajo imponiéndose, superponiendo la melodía. The Movement rescata ese sonido fresco, melódico actualmente defenestrado por el abuso de las compresiones.
Fools like you es álbum en sintonía, los daneses eliminan los temas skatalíticos que aparecían en anteriores trabajos, un acierto, porque realmente pegaban poco. Su disco más reciente y el más conseguido, una alegría encontrarse con bandas así, sonando como los clásicos, pero también marcando su estilo, con actitud.
Canciones de amor y canciones de socialismo, el romance gitano se mezcla con las odas a los trabajadores, ¿y es que no se pueden mezclar ambas pasiones? La catarsis es clara. Marx es amor.
Componentes: Philip Ingemann (Batería); Lukas Sherfey (Guitarra y voz / Vocal);
Sebastian Page (Bajo);
Artista: Otis Redding Álbum: Otis Blue/Otis Redding Sings Soul
Año de publicación: 1965 Sello: Stax Records
1. Ole Man Trouble
2. Respect
3. Change Gonna Come
4. Down in the Valley
5. I’ve Been Loving You Too Long
6. Shake
7. My Girl
8. Wonderful World
9. Rock Me Baby
10. Satisfaction
11. You Don’t Miss Your Water
Es posible que estemos ante uno de los álbumes más emblemáticos del Soul, uno de esos discos que siempre salen en las cargantes listas del tipo 100 discos que deberías escuchar antes de palmar. El éxito en este caso, es merecedor, hay galones, no solamente Otis Redding se encuentra en un momento excepcional, detrás tiene toda una infraestructura musical a su servicio, Stax Records.
Entonces las discográficas tenían sus propios estudios y músicos en nómina, de ahí que sean tan reconocibles los estilos en función del sello. La talla de los artistas con los que Stax contaba, era a tener en cuenta, Booker T and the MG’s, The Mark-Keys en la sección de vientos e Isaac Hayes como pianista y productor. Capitaneados por la voz de Otis Redding no es de extrañar que protagonizaran una época dorada que concluyó estrepitosamente con la muerte de este.
El disco se produce en estado de gracia, los músicos se encuentran en plena forma y con un rodaje tremendo. Se graban las once canciones en veinticuatro horas, esto solo es posible con un nivel de compenetración altísimo. Uno de los temas más emblemáticos, Respect, fue escrito en un solo día, en palabras de Otis Redding “me llevó un día escribirlo, veinte minutos para organizarse, y una toma para grabarlo”. Aunque cuenta con tres composiciones originales, el resto del disco, loforman canciones populares de R&B pasadas por el tamiz del sonido Memphis. Entre ellas se encuentran tres canciones escritas por Sam Cooke, que había muerto meses antes tiroteado en un hotel de California. Las vidas de los artistas del soul, bien darían para tragedia griega.
Entre dimes y diretes, el álbum tenía todos los ingredientes para convertirse en un bombazo, y así fue, llegando a ser un icono de la música popular, sus temas perviven a día de hoy en la memoria. Incluso si nunca lo has escuchado, haz la prueba, verás como eres capaz de tararear la mitad de los temas.
. Componentes: Otis Redding: (voces); Steve Cropper (guitarra); Donald “Duck” Dunn: (bajo); Booker T. Jones (teclados); Al Jackson, Jr (batería, productor) Isaac Hayes (teclados); Ralph Stewart (bajo); Elbert Woodson (batería); James “Jockey” Young (guitarra); Joe Arnold (sexo tenor); Charles Packy Axton (saxo tenor); Robert Holloway: (saxo tenor); Andrew Love (saxo tenor); Robert Pittman (saxo tenor); Floyd Newman (saxo barítono); Sammie Coleman (trompeta); John Farris (trompeta); Wayne Jackson (trompeta); Gene “Bowlegs” Miller (trompeta); Earl Sims (coros);
¿Os apuntáis a una buena historia de ladrones de bancos la cual no podría ser mas tejana… ? ¡qué demonios!.
Un par de hermanos inician una serie de atracos a bancos, como en la época de John Dillinger, por una Texas pueblerina para salvar la pifia de la hipoteca de la granja familiar.
Esta claro que el realizador escocés David Mackenzie no para de crecer con cada nuevo proyecto, quien junto el guionista Taylor Sheridan (Sicario) quizás sean responsables de una de las mejores películas del 2016.
Este western actualizado y revitalizado es algo más, porque no deja de lado la crítica social a esas sucursales rurales que exprimen y dejan secos cual desierto tejano a todo aquel incauto que se aproximó a ellas en momentos de necesidad. Como comprenderéis la empatía que sentimos por esta pareja de asaltadores de bancos es instantánea, logrando así que les acompañemos con sumo gusto por esta road movie rodada con unos magníficos planos de cinemascope. Esto funciona en parte a la química fraternal que despiden estos dos personajes, dispares de carácter pero que se complementan a la perfección por la carretera de la redención que les espera, en especial el carismático y canalla expresidario que representa Ben Foster, aunque su hermano mas sobrio en contrapunto llevado a cabo por Chris Pine no está nada mal.
Para quitarle hierro al drama no le falta un sentido del humor afilado que firmarían bien agusto los Coen o Tarantino, sobretodo en los momentos que aparece el crepuscular ranger Jeff Bridges con su marcado acento surueño junto a su compañero indio, intercambiandose pullas esterotipadas mientras van tras los pasos de estos dos figuras.
Rematamos la cinta con una banda sonora a cargo de Nick Cave. Qué más queréis…
sta neoyorkino de etnia judía es, desde mediados de los años 80, uno de los músicos más prolíficos que podamos encontrar, participando en decenas y decenas de grabaciones, junto a diferentes conjuntos, ya sea como intérprete de su repertorio, como compositor que dirige a la formación, o como productor bajo su propio sello discográfico. Si la cantidad es un elemento destacable en la carrera de Zorn, no lo es menos la calidad y la variedad de los estilos presentes en su obra, que desde el Jazz como filosofía central, se acerca a músicas tan dispares como la música clásica, la música tradicional hebrea, la música ambiental, las bandas sonoras o incluso a estilos de metal extremo como el grindcore, nada menos.
sentido del humor afilado que firmarían bien agusto los Coen o Tarantino, sobretodo en los momentos que aparece el crepuscular ranger